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2016 09
mai

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Communiqué officiel de la Scam

Gianfranco Rosi, président du jury de L’Oeil d’or – Le Prix du documentaire à Cannes

De plus en plus présent sur le grand écran, de plus en plus reconnu par la critique, de plus en plus aimé du public, de plus en plus visible dans les festivals, le regard singulier du documentaire sur le monde mérite une reconnaissance au sein même du Festival de Cannes.

L’Œil d’or, Le Prix du Documentaire, a été créé en 2015 à l’initiative de la Scam et de Julie Bertuccelli, avec la complicité active du Festival de Cannes et de son délégué général Thierry Frémaux, et en partenariat avec l’Ina; il récompense un documentaire présenté dans les sélections cannoises (Sélection officielle, Un Certain Regard, Cannes Classics, Séances spéciales et hors compétition, Quinzaine des Réalisateurs, Semaine de la Critique).

Le jury international de cette deuxième édition est présidé par Gianfranco Rosi, auteur réalisateur italien, Ours d’or à la Berlinale 2016. Il est entouré d’Anne Aghion, auteure réalisatrice franco‐américaine, Natacha Régnier, comédienne belge, Thierry Garrel, conseiller artistique français, et Amir Labaki, critique et directeur de festival brésilien.

Le jury remettra L’Œil d’or à l’auteur du film primé, le samedi 21 mai à 12 heures au Palais des festivals. Ce prix est doté de 5.000 €.

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Gianfranco Rosi est nommé et récompensé dans de nombreux festivals internationaux, dont le Sundance Film Festival, le Festival du Film de Locarno, le Festival international du film de Toronto, le Festival du Cinéma du réel, DocLisboa … En 2013, son film Sacro Gra remporte le Lion d’or au Festival International du film de Venise. Son dernier documentaire, Fuocoammare est sacré Ours d’or à la Berlinale 2016.

Anne Aghion est lauréate de la Fondation Guggenheim en 2005 et d’autres prix prestigieux (Emmy Award, Prix Fellini de l’Unesco, Prix Nestor Almendros du Festival international de Human Rights Watch). Elle acquiert une reconnaissance internationale avec sa série de films consacrés au Rwanda de l’après‐génocide, en particulier Mon Voisin mon tueur (Sélection officielle Cannes 2009). Elle développe actuellement deux projets de films.

Natacha Régnier est révélée au grand public avec La vie rêvée des anges d’Eric Zonca (prix d’interprétation au Festival de Cannes 1998, meilleure comédienne aux European Awards 1998 et César du meilleur espoir féminin en 1999). Elle enchaîne depuis les tournages alternant premiers films et œuvres de réalisateurs confirmés (Luc Bondy, Chantal Akerman, Lucas Belvaux, Emmanuel Bourdieu, Michel Gondry, Costa Gavras, François Ozon, Anne Fontaine…). Elle est actuellement à l’affiche du prochain film d’Eugène Green, Le fils de Joseph, sélectionné à la Berlinale 2016 et qui sort en salle le 20 avril.

Thierry Garrel a été directeur des documentaires d’Arte de 1987 à 2008, il y a développé une politique de production ambitieuse, s’attachant à découvrir et accompagner la carrière de nouveaux auteurs, tout en travaillant avec les grands noms du cinéma documentaire mondial (de Chris Marker à Agnès Varda, Johan van der Keuken, Frederick Wiseman et Alain Cavalier, en passant par Chantal Akerman, Rithy Panh, Amos Gitaï ou Nicolas Philibert). Depuis 2015, il est commissaire invité d’une saison française French French, dans le cadre du Festival International du Documentaire de Vancouver, Doxa.

Amir Labaki est critique cinéma brésilien, il écrit dans « Folha de S. Paulo » et « Valor Econômico ». Fondateur et directeur du plus grand festival international du film documentaire d’Amérique latine, It’s All True, il a été membre du conseil d’administration de l’IDFA, le Festival international du film documentaire d’Amsterdam, de 2003 à 2012. 27 Scènes sur Jorgen Leth (2009), son premier film documentaire, a été sélectionné dans de nombreux festivals (CPH‐DOX, DocLisboa, Habana Film Festival, le Festival do Rio et le Festival international du film de São Paulo).

En 2015, le premier jury de L’Œil d’or, présidé par Rithy Panh et composé de Nicolas Philibert, Irène Jacob, Diana El Jeiroudi et Scott Foundas avait récompensé Marcia Tambutti Allende pour Allende, mi abuelo Allende sorti en salle le 9 décembre 2015.

scam en partenariat avec ina

2016 18
mar

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L’ATAA et l’ASIF étaient présentes au Festival du court métrage de Clermont-Ferrand, et plus particulièrement au déjeuner du Syndicat des Producteurs Indépendants (vidéo, télévision, cinéma) qui réunissait producteurs, diffuseurs et représentants d’Unifrance. Après ces premières prises de contact, nous comptons rencontrer à Paris la direction du SPI ainsi qu’Unifrance, afin d’ouvrir des pistes de collaboration et de faire connaître l’importance de nos métiers et les bonnes pratiques permettant d’obtenir des adaptations de niveau professionnel.

L’ATAA a également collaboré avec la société Média Solution pour offrir au lauréat du Grand prix (Les Amours vertes, de Marine Atlan) un sous-titrage vers quatre langues européennes. L’objectif de cette dotation est de faire connaître le savoir-faire français sur le plan de la rigueur technique et de la qualité d’adaptation. De par son rayonnement international, le Festival de Clermont-Ferrand apparaît en effet comme le lieu idéal pour sensibiliser sur le long terme réalisateurs et producteurs à l’importance de la qualité du sous-titrage.

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2016 02
mar

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Retrouvez dans la revue de cinéma « 1895 » un compte rendu du colloque londonien « Splendid Innovations » sur la traduction audiovisuelle, organisé par Jean-François Cornu et Carol O’Sullivan les 21 et 22 mai 2015. Cet article, rédigé par Anne-Lise Weidmann et Samuel Bréan, est disponible en accès gratuit.

Extrait :

« (…) on peut néanmoins saluer en « Splendid Innovations » un premier pas vers la mise au jour de spécificités nationales, temporelles et esthétiques liées à la traduction audiovisuelle. Ce colloque aura montré que la recherche sur ce champ, proche en cela davantage de la recherche en cinéma que de la traductologie, passe aussi par la recherche de copies, de sources non-film et de documents sur la production même des films traduits. Un problème peut-être insuffisamment évoqué est celui de l’identification (et de la citation) des auteurs des traductions de films, extrêmement variable selon les époques, les pays, les supports de projection. Il reste aussi à faire mieux connaître au grand public le résultat de ces travaux, qu’ils soient menés dans un cadre universitaire ou lors de restaurations : les éditions DVD ou Blu-ray gagneraient à s’enrichir de livrets ou de bonus sur l’histoire des versions linguistiques des œuvres. »

2015 23
mar

unnamedDes historiens du cinéma et de la traduction cinématographique, ainsi que des responsables d’archives du film et de cinémathèques du monde entier seront réunis les 21 et 22 mai prochains à la British Academy à Londres, pour une conférence intitulée « “Splendid Innovations”: The Development, Reception and Preservation of Screen Translation », au cours de laquelle ils débattront de questions variées sur le thème du développement, de la réception et de la conservation de la traduction cinématographique.

Organisée par Carol O’Sullivan, chercheuse à l’Université de Bristol et auteur de Translating Popular Cinema, et Jean-François Cornu, traducteur et chercheur indépendant (Le doublage et le sous-titrage: Histoire et esthétique), cette conférence est généreusement soutenue par la British Academy for the Humanities and Social Sciences et se déroulera dans ses locaux londoniens de Carlton House Terrace.

C’est la première fois qu’un événement de ce genre réunira à la fois historiens du cinéma, traducteurs, chercheurs en traduction cinématographique et responsables de cinémathèques pour s’intéresser à toutes les formes de traduction des films, durant la période de transition du muet au parlant. C’est pourquoi il sera aussi bien question de l’adaptation des intertitres des films muets que des premières versions sous-titrées et doublées du cinéma parlant.

La liste des participants et le programme complet, ainsi que les modalités d’inscription, sont disponibles ici : http://www.britac.ac.uk/events/2015/Splendid_Innovations.cfm

En outre, la soirée du 21 mai (ouverte à tous et gratuite !) sera consacrée au phénomène des benshis, les bonimenteurs japonais du cinéma muet, à l’occasion d’une projection de films, animée par le grand benshi japonais Kataoka Ichiro (pour en savoir plus et s’inscrire : http://www.britac.ac.uk/events/2015/Screen_Translation.cfm).

Le nombre de places étant limité, il est conseillé de réserver au plus vite tant pour les deux jours de la conférence que pour la soirée du 21 mai (inscriptions séparées).

2013 12
déc

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L’excellent blog des correcteurs du Monde.fr, Langue sauce piquante, relate le déroulement du colloque organisé par le CSA, intitulée « Quel avenir pour la langue française dans les médias audiovisuels ? », qui s’est tenu le lundi 9 décembre au Collège de France.

Les auteurs de doublage et de sous-titrage n’avaient pas été conviés officiellement, malgré le rôle évident qu’ils jouent dans la promotion d’un français de qualité dans les médias audiovisuels. Mais dans le public, trois représentants de l’ATAA ont fait entendre leur voix en parlant des Prix du sous-titrage et du doublage créés par l’association. Une intervention que n’ont pas manqué de relever les blogueurs du Monde.fr, et nous les en remercions !

L’article est à lire ici : http://correcteurs.blog.lemonde.fr/2013/12/11/le-csa-va-au-college/

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2013 21
mai

Il sera question de traduction audiovisuelle samedi prochain, le 25 mai, au cours de la journée Barcelone à Paris, de 10 h à 17h45, dans le cadre du séminaire « Le film pluriel ».

À 14 heures, Jean-François Cornu, au nom de l’ATAA, y présentera une communication intitulée « Les versions sous-titrées et doublées : des versions “originales” à conserver et étudier comme les autres ? » et dont voici le résumé :

Conserver et montrer toutes les versions d’un film sous-titrées et doublées dans une même langue est une manière de contribuer à une histoire vivante du cinéma. Mais comment évaluer et répertorier ces versions ? Sur le plan historique d’abord, chaque époque a ses propres conventions : un sous-titrage en français antérieur aux années 60 n’a rien à voir avec un autre établi après 1990, de même qu’une oreille exercée peut reconnaître la période de réalisation d’une version doublée. Sur le plan technique ensuite, une version sous-titrée peut être identifiée selon le système d’impression ou de gravure des copies, ou selon les modes d’incrustation électronique ou numérique, de même qu’une version doublée s’identifie grâce au mode d’enregistrement ou à la voix et au ton des comédiens. Sur le plan esthétique enfin, le niveau de qualité technique et de traduction d’un sous-titrage ou d’un doublage est riche en conséquences sur la fidélité à l’œuvre originale et sur la réception du film par le public. Les deux, trois ou quinze versions d’un même film que dénombrent les spécialistes de certains réalisateurs se multiplient alors de façon vertigineuse…


Mais reprenons au début :

- « Barcelone à Paris » ?

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Cette journée présentera trois communications préparées pour le colloque « Multiversions » qui s’est tenu en avril dernier, à la Filmoteca de Barcelone, ainsi qu’une table ronde réunissant plusieurs de ses participants. (Un compte rendu de ce colloque paraîtra dans le prochain numéro de L’Écran traduit.)


- « Le Film pluriel » ?

C’est un groupe de recherche fondé en 2006, animé par Marie Frappat et François Thomas, dont on peut lire la présentation détaillée et les programmes précédents.


Les activités du Film pluriel ont donné à ce jour naissance à deux publications :


Détails pratiques

Entrée : libre et gratuite.

Lieu : Université Paris 3 – Sorbonne Nouvelle, Centre Censier, salle 49
13, rue de Santeuil — 75005 Paris

Les séances suivantes du « Film pluriel » auront lieu le 15 juin et le 19 octobre ; cette dernière permettra d’entendre François Minaudier expliquer pourquoi, selon lui, « Tous les sous-titres sont mortels ».


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2013 14
mai

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Du 30 mai au 1er juin, Beaulieu-sur-Mer (Alpes-Maritimes) accueille la troisième édition des Journées européennes du doublage.

Au programme : une série de rencontres autour des métiers du doublage avec des auteurs, des comédiens ou encore des directeurs artistiques, ainsi que des projections de films en version française, des conférences et des ateliers.

« Que ce soit à l’occasion de [sa] métamorphose en studio de doublage, ou bien lorsqu’il bourdonnera de débats exceptionnels avec plusieurs adaptateurs et comédiens, le Cinéma de Beaulieu va devenir pendant trois jours un lieu d’expérience sans précédent », annoncent les organisateurs. « Cinéphiles aguerris ou simples curieux issus du grand public, les spectateurs auront droit à ce qu’un voile se lève pour eux sur un art dont ils ignoraient parfois jusqu’à l’existence. »

Pour tout savoir sur cette manifestation et consulter son programme complet, rendez-vous sur son site : www.jed-beaulieu.com

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2013 28
avr

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L’ATAA participera, jeudi 2 mai à 19 heures, à la table ronde organisée au théâtre de la Gaîté lyrique sur le thème « VOST, les mots à l’écran ».

Cette manifestation constituera le deuxième numéro de l’émission 3615 Strabic lancée en mars par la revue de design en ligne strabic.fr. Les débats seront diffusés en direct sur le site du théâtre, où il sera également possible de les (re)voir ultérieurement.

En donnant la parole à l’ATAA, les organisateurs de cette rencontre offrent l’occasion aux adaptateurs d’expliquer au grand public leur travail, y compris les contraintes qui le régissent et expliquent parfois leurs choix de traduction. La thématique de la lecture à l’écran étant assez large, le thème du sous-titrage à destination des sourds et malentendants pourra également être abordé.

La présence de la typographe Sandrine Nugue, qui a travaillé sur cette thématique et étudié ses aspects plus scientifiques (vitesse de lecture d’un cerveau humain, travail intuitif du cerveau sur les mots et les lettres, etc.), permettra aussi de clarifier les mécanismes de la lecture à l’écran et d’aborder sous un autre angle les règles appliquées par les adaptateurs en sous-titrage. Une table ronde qui sera, nous l’espérons, intéressante tant pour le grand public que pour les professionnels !


Pour en savoir plus, rendez-vous sur le site de la Gaîté lyrique ou sur la page Facebook de la table ronde.


Informations pratiques :

Jeudi 2 mai à 19 heures, entrée libre
Gaité lyrique – Plateau média
3 bis rue Papin, 75003 Paris
Métro Réaumur-Sébastopol, Arts et Métiers ou Strasbourg Saint-Denis


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2013 25
fév

Cette journée d'études se déclinera ensuite le 14 septembre à Genève et le 7 décembre à Bruxelles.

Cette journée d'études se déclinera ensuite
le 14 septembre à Genève et le 7 décembre à Bruxelles.


L’ATAA participera à la cinquième édition de la « Traductologie de plein champ », qui se tiendra le samedi 2 mars, Université Paris Diderot, amphi Buffon, 9h00-18h00.

Tous les détails se trouvent sur cette page, le programme (pdf) étant ici.

La participation est gratuite, mais l’inscription est obligatoire : merci pour cela d’écrire, pour le samedi 2 mars, à Nicolas Froeliger (nf@eila.univ-paris-diderot.fr).

(Pour consulter le programme des précédentes éditions des journées « Traductologie de plein champ », rendez-vous sur le site de l’Université Paris Diderot.)


Présentation des organisateurs :

La problématique des traductions adressées au grand nombre n’est pas nouvelle, mais elle acquiert une acuité plus grande depuis quelques années sous l’effet de trois phénomènes :

  • la professionnalisation croissante des métiers de la traduction ;

  • le développement des échanges, y compris culturels, et donc des flux de traduction de toute nature ;

  • la multiplication concomitante des moyens de produire et de diffuser des contenus en  tous sens et en toutes langues.

D’où un certain nombre d’interrogations, concernant, pour commencer, l’opération de traduction elle-même : en quoi la définition du public cible influe-t-elle sur les choix de traduction ? La légitimation de l’expression artistique ou scientifique doit-elle obligatoirement se payer d’une dépense intellectuelle lourde pour le lecteur ? Quid de la traduction des textes religieux (voire politiques) possédant à la fois un contenu exotérique (destiné à tous) et une teneur ésotérique (compréhensible par les seuls initiés) ? Comment reconfigurer un texte écrit au départ pour un petit nombre de lecteurs et destiné, à l’arrivée, au grand public (et inversement) ? Telles sont quelques-unes des interrogations générales de ce colloque international sur trois sites (Paris, Genève, Bruxelles).

À Paris, le 2 mars, on s’attachera plus particulièrement à définir ce qu’il faut entendre par grand public, aux démarches intellectuelles qui font que tout texte, aussi spécialisé soit-il, fait intervenir, à un certain moment, une phase de vulgarisation (ou dés-ésotérisation). Le grand public, c’est aussi l’audiovisuel, avec ses contraintes de rapidité, pour la traduction en direct d’événements sportifs, et ses enjeux culturels, par exemple, dans le cas des films français sur la Guerre d’Algérie. C’est également la littérature : celle dite de genre ou de gare, celle dite classique, que l’on peut souhaiter rendre accessible à un lectorat étendu, et même la littérature antique, avec en prime un éloignement dans le temps. Quels mécanismes, quelles manipulations, quelles reconfigurations sont à l’œuvre dans ces trois cas de figure ? C’est enfin et plus généralement une question de contact, conflictuel ou pas, entre cultures : c’est notamment par la traduction que des systèmes de pensée se rencontrent, mais que fait la traduction de cette rencontre ? Lors de notre première journée, à Paris, ces différents questionnements seront suivis d’une table ronde sur les besoins, acteurs, pratiques et enjeux de la traduction pour le grand public et réunissant des représentants d’associations de traducteurs (SFT, ATLF, ATAA), des diffuseurs d’informations en traduction et des éditeurs autour de cette problématique que l’on a trop longtemps méprisée ou confinée au seul domaine littéraire.


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2012 27
juil

yiddishDouble actualité pour le yiddish : côté traduction littéraire, dans les pages de la revue TransLittérature, et côté cinéma, à la Cinémathèque Française, avec quatre films rares du réalisateur Edgar G. Ulmer, auquel une rétrospective est consacrée jusqu’au 5 août.

« Traduire le yiddish »

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Tel est le titre du dossier du numéro 43 de la revue TransLittérature, éditée par l’ATLF. Mais qu’est-ce que le yiddish ? Corinna Gepner, coordinatrice de cet ensemble, en signe une brève présentation : c’est « la langue vernaculaire parlée par les communautés juives d’Allemagne, de Bohême, de Moravie, de Pologne, de Lituanie, d’Ukraine, de Biélorussie, d’Alsace, de Hollande et d’Italie du Nord jusqu’au XXe siècle […] résultat de multiples influences dialectales. » Le yiddish, dont le nombre de locuteurs a chuté après la Seconde Guerre mondiale, est représenté à Paris par la dynamique Maison de la culture yiddish – Bibliothèque Medem, à laquelle est également consacré un bref article. Celle-ci propose des cours de tout niveau (y compris des ateliers de traduction), abrite une bibliothèque considérable, et mène également une activité éditoriale.

« Double fidélité et double trahison » est le récit de la traduction, par Isabelle Rozenbaumas, des mémoires de son père Moïshé Rozenbaumas (L’Odyssée d’un voleur de pommes), né en 1922 en Lituanie. Une expérience émouvante et fascinante, d’abord de par la singularité de cette « commande » particulière et familiale car « il n’est pas anodin d’écrire en tant que traducteur, disons ici de traducteur particulier, les mémoires de son auteur, de l’auteur de ses jours » ; mais aussi en raison de l’importance que revêt la transmission générationnelle dans la survie difficile du yiddish aujourd’hui. L’auteur relate le cheminement d’une traduction intime devenue pour elle un véritable parcours dans son propre passé.

Dans « Traduire du yiddish : de la trahison à la métamorphose », Corinna Gepner explore les particularités de la traduction du yiddish, « entreprise délicate, émotionnellement chargée du fait de l’Histoire, qui interdit, aujourd’hui encore, de voir dans cette langue une langue comme les autres ». S’appuyant largement sur un texte de Carole Matheron-Ksiazenicer publié dans un numéro antérieur de TransLittérature, l’article décortique la difficulté du passage du yiddish au français et le trouble qui naît de la traduction d’une langue au caractère prétendument « populaire » dans une langue dite « savante » : « Ce qui s’efface en se traduisant, je découvre (mais c’est bien tard) que c’est la langue de la disparition même. » Et de rappeler en conclusion qu’avec la mort des derniers locuteurs naturels, « c’est dans la littérature qu’on apprend[ra] le yiddish ».

Royaumes juifs

Pour clore ce dossier, Corinna Gepner dresse le portrait de deux figures emblématiques du yiddish : Batia Baum et Rachel Ertel. La première a passé sa petite enfance dans les années noires où « parler yiddish s’apparent[ait] à une condamnation à mort ». Elle ne reviendra que bien plus tard au yiddish, avec une ambition de transmettre cette « langue de l’entre-deux », composite, langue de traduction par nature, « dont les locuteurs sont porteurs à la fois de leurs propres valeurs et de celles des autres. » Quant à Rachel Ertel, elle a fortement contribué à faire connaître la littérature yiddish en France, formant des enseignants et des traducteurs, et menant elle-même des projets éditoriaux. Son ouvrage Brasier de mots balaye l’histoire de la langue et de la littérature yiddish et s’interroge sur leur avenir après « l’Anéantissement » du milieu du XXe siècle. Contre-pied de cette disparition annoncée du yiddish : l’anthologie Royaumes juifs proposée par Rachel Ertel et parue chez Robert Laffont en 2008 permet à la poésie yiddish d’entrer « dans le patrimoine français et universel »…

Le yiddish au cinéma – le cinéma yiddish

Et au cinéma ? Le yiddish fait encore des apparitions furtives, voire fantomatiques. Prenons deux films américains de 2009. Au début de A Serious Man des frères Coen, avant le générique, une séquence de sept minutes se déroulant en Pologne à une époque indéterminée (sûrement au début du XXe siècle) est entièrement parlée en yiddish. Elle met en scène un dibbouk, être mythologique maléfique qui prend possession du corps d’un individu. (Cette séquence n’a pas de rapport explicite avec la suite du film.) Dans Inglourious Basterds, l’escouade de choc des « Basterds » est composée de Juifs de nationalité américaine. Dans la dernière partie du film, ils prévoient de s’infiltrer dans une soirée où sera présent Hitler. Hélas, les deux « Basterds » germanophones sont morts, ce qui rend difficile cette tentative de passer inaperçus au milieu d’un parterre d’Allemands. L’actrice allemande Bridget von Hammersmark leur demande alors : « Je sais que c’est une question bête, mais est-ce que vous savez parler d’autres langues que l’anglais ? » Un échange figurait alors dans le script, mais n’a pas été filmé. « À part le yiddish ? », répondait un « Basterd » (Gerold Hirschberg). « De préférence », précisait von Hammersmark[1].

L’un des personnages du film de Tarantino s’appelle Omar Ulmer. Difficile de ne pas voir là une référence cinéphilique au réalisateur Edgar G. Ulmer (1904 – 1972), figure peu aisée à cerner, souvent cantonnée à la série B (il était surnommé « King of the B’s »). On peut parier que l’Ulmer cher à Tarantino est celui du Chat noir, de Detour ou encore du Bandit (trois de ses plus grandes réussites, certes) ; mais sait-il que ce réalisateur a aussi tourné quatre films en yiddish dans les années 1930 ?

Ces films appartiennent à ce que J. Hoberman appelle « la quatrième phase » (1935 – 1940) du cinéma yiddish. Quatrième, et avant-dernière : la Seconde Guerre mondiale donna un coup d’arrêt quasiment définitif à cette production, qui n’a survécu après 1945 que par des titres épars. Mais auparavant, le cinéma yiddish aura donné 130 longs métrages et 30 courts, d’après le décompte de Judith N. Goldberg (p. 17), qui ajoute que cela représente moins que la production annuelle d’un studio hollywoodien durant cette période.

Avant d’en venir aux films d’Edgar G. Ulmer, nous reprendrons brièvement la chronologie d’Hoberman, en nous attardant sur des aspects liés à la langue et à la traduction.

Brève histoire du cinéma yiddish, de 1911 à 1935

Lié à une langue, le cinéma yiddish ne l’est donc pas à un pays en particulier (même si nous nous pencherons tout particulièrement sur les États-Unis). « La première période, de 1911 au milieu de la Première Guerre mondiale, coïncide avec la transformation du cinéma en produit de consommation populaire et correspond à la conquête d’un public de cinéma juif dans l’Empire tsariste et, à un moindre degré, aux États-Unis. Bien que Varsovie, alors ville russe, ait été le principal centre de production, le théâtre yiddish new-yorkais fournissait la plus grande partie de son inspiration. (…) Pratiquement aucun de ces films n’a survécu.

« La seconde étape, annoncée par l’évolution du cinéma aux États-Unis à la veille de la Première Guerre mondiale, débute avec la chute du tsar en 1917 et s’étend sur douze ans, pendant toute la période du cinéma muet. Elle est caractérisée par des tentatives sporadiques mais ambitieuses de produire des films spécifiquement juifs au sein des industries des trois nouveaux pays, l’Autriche, la Pologne et l’Union soviétique.

« La troisième période, qui débute avec le parlant, fut presque entièrement américaine. Le premier film sonore synchrone yiddish fut produit en 1929 à New York, dix-huit mois après la sortie du Chanteur de Jazz, qui traitait d’une certaine manière du dilemme juif » (Hoberman, « Un pont de lumière », p. 221).

Le premier long métrage parlant yiddish fut Mayn yidishe mame (My Yiddishe Mama, USA, 1930)[2]. L’arrivée du parlant brouilla les pistes : les critiques n’arrivaient jamais à s’accorder pour dire si les films étaient en « yiddish », en « juif » ou en « hébreu » (Goldberg, p. 101). D’ailleurs, « pour le grand public, ainsi que pour le New York State Board of Censors [bureau de la censure de l’État de New York], les films yiddish étaient considérés comme étrangers, même quand ils étaient produits dans le New Jersey. De fait, ils s’inscrivaient dans une plus large mouvance. New York n’était pas seulement un pôle de distribution du cinéma ethnique, mais un centre de production pour les films tournés entièrement avec des Noirs et pour les films en langue étrangère » (Hoberman, Bridge of Light, p. 182).

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Le yiddish est également présent dans le cinéma hollywoodien, dès le début des années 30. Par exemple, une séquence au début de Taxi! (Roy Del Ruth, 1932) montre un policier tenter désespérément de comprendre ce que lui dit un homme dans cette langue. Le personnage de James Cagney, un chauffeur de taxi (irlandais, comme l’acteur lui-même), engage alors la conversation et prend l’homme dans sa voiture : il disait simplement qu’il voulait se rendre à Ellis Island (cette séquence peut être visionnée ici). À noter que Cagney connaissait réellement le yiddish, langue qu’il avait apprise quand il était petit, dans les rues de New York. « Le parlant a ressuscité l’humour ethnique, traditionnellement lié au vaudeville », note Hoberman. « Jusqu’à ce que les Juifs caractérisés comme tels disparaissent des écrans au milieu des années 30, des phrases en yiddish ont émaillé un certain nombre de films produits par la Warner » (Bridge, p. 167).

Au début du parlant, un phénomène apparenté au détournement eut cours dans le cinéma yiddish. « Comme toutes les productions indépendantes, les films ethniques étaient caractérisés par de faibles budgets et par des méthodes pragmatiques. Pourtant, l’exemple le plus radical de ce pragmatisme est spécifique à l’industrie du cinéma yiddish : il s’agit de la transformation de films muets en films parlants yiddish » (Bridge, p. 182). Il pouvait s’agir de monter des séquences de plusieurs films (Di shtime fun Yisroel/The Voice of Israel, 1931) ou de reprendre un film entier en ajoutant des séquences et une voix off (Joseph of Egypt, 1931, d’après un film italien de 1914). Surtout, le « narrateur yiddish » (souvent un acteur connu), semblable en cela aux benshis japonais, inventait une nouvelle histoire, la rendait « faryidisht », en référence à une tendance de la presse et du théâtre yiddish du XIXe siècle de ne pas « se contenter » de traduire la littérature des Gentils, mais de la rendre « plus juive ». Cependant, l’ajout d’une bande son en yiddish n’impliquait pas forcément de modifications au niveau de l’intrigue : ainsi, Le Golem (Julien Duvivier, 1936), d’après le roman de Gustav Meyrink, fut d’abord distribué à New York en mars 1937, puis doublé en yiddish pour une deuxième sortie, six mois plus tard (Bridge, p. 187, 190).

lgwandering

Il convient de préciser que dans les premières années du parlant, les films en yiddish étaient diffusés « tels quels », c’est-à-dire sans sous-titres. Ce n’est qu’en 1933, année d’accession de Hitler au pouvoir, que la donne changea, avec la sortie d’un film singulier à plusieurs égards : Der vanderer yid/The Wandering Jew, réalisé par George Roland. Il s’agit « non seulement du seul film yiddish à dépeindre la situation des Juifs dans l’Allemagne nazi, mais aussi du premier long métrage américain à le faire » (Bridge, p. 197). Le New York Times commenta ainsi : « Cet impressionnant récit des tribulations du peuple juif, depuis les pharaons jusqu’à Adolf Hitler (…), est palpitant du début jusqu’à la fin. Cette condamnation du nazisme et de ses agissements paraît difficilement dépassable. » L’article se termine par cette précision : « Il y a de nombreux sous-titres en anglais [super-imposed English titles] pour les spectateurs qui ne connaissent pas le yiddish » (Harry T. Smith, 21 octobre 1933). En effet, The Wandering Jew (littéralement, « le Juif errant ») fut le premier film yiddish sous-titré. Cela n’alla pas sans problèmes, étant donné son sujet : « Après avoir donné son accord pour la distribution de Der vanderer yid, le New York State Board of Censors se montra plus circonspect en apprenant que le film serait montré avec des sous-titres anglais, ce qui aurait pour effet ‘d’atténuer son aspect juif’ [de-faryidisht]. » Un mémo, publié six jours après, s’en expliquait : « Tel qu’il a été présenté à l’origine, avec des dialogues et des titres juifs, ce film ne s’adressait qu’aux Juifs, les exhortant à conserver leurs valeurs religieuses même dans les situations difficiles, comme ils l’ont fait par le passé. L’ajout de titres anglais le transforme en film de propagande, puisqu’il s’adresse de façon partisane aux spectateurs parlant anglais. Ce film est susceptible de créer tensions, conflits et manifestations de violence. » Le bureau de la censure se réservait par la suite le droit d’effectuer des coupes. Le film sortit, mais ne resta que deux semaines à l’affiche et eut peu de succès.

Les quatre films yiddish d’Edgar G. Ulmer

« La quatrième période [du cinéma yiddish] est la plus connue. Elle débute en 1935, avec le renouveau de l’industrie cinématographique polonaise. Les premiers films polonais parlant yiddish ont stimulé les producteurs américains et instauré un dialogue entre Varsovie et New York, dialogue poursuivi jusqu’à la disparition du marché avec la Seconde Guerre mondiale. Cet âge d’or, qui coïncide avec la période du Front populaire contre le fascisme, se distingue par un certain nombre de succès mondiaux, en particulier Yidl mitn fidl [Yiddle et son violon] (Joseph Green, Pologne, 1936), Grine felder/Green Fields (USA, 1937) et Le Dibbouk (Der Dibek, Michal Waszynsky, Pologne, 1937). Le cinéma yiddish a atteint son apogée pendant les dix-huit mois séparant l’annexion de l’Autriche par l’Allemagne en 1937 et l’invasion nazie et soviétique de la Pologne. Pendant cette période, vingt-trois films furent présentés à New York (dont un tiers produit à Varsovie et tous, sauf sept, situés en Europe de l’Est) avant d’être montrés dans les enclaves juives en Amérique du Nord et du Sud » (« Un pont de lumière », p. 221).

Green Fields 1

Green Fields, cité plus haut, est le premier des quatre films qu’Edgar G. Ulmer fit en yiddish. Né en 1904 à Olomouc (aujourd’hui en République Tchèque), Ulmer grandit à Vienne. Après avoir participé au film collectif Les Hommes le dimanche (Menschen am Sonntag, 1929), il s’installe aux États-Unis. Après Le Chat Noir (The Black Cat, 1934), il est forcé de quitter Hollywood : il a eu une liaison avec la femme du neveu du producteur (il l’épousera ensuite). Il devient alors un cinéaste indépendant. Dans les années 1930, il gagne le surnom de « cinéaste des minorités » : s’il affirme avoir tourné « pour les Espagnols, les Ukrainiens, les Caucasiens, les Arméniens, les Juifs, les Noirs, les Indiens d’Amérique », les filmographies du réalisateur ne sont pas aussi généreuses (Ulmer revendiquait la paternité de 127 titres ; on en connaît avec certitude un peu plus de 40). Reste qu’outre les films yiddish, Ulmer a effectivement tourné deux films en ukrainien, Natalka Potalvka (1937) et Zaporozhets za Dunayem/Cossacks in Exile (1938), ainsi que Moon Over Harlem (1939).

Bien que juif, Ulmer ne l’a su qu’en entrant au collège. Il ne parlait pas yiddish, mais, d’après l’actrice Helen Beverly, « il s’y est mis très vite. Il parlait l’allemand et parfois l’utilisait avec nous. Du reste, il connaissait le script par cœur. Il ne lui a pas fallu longtemps pour se mettre au diapason et s’imprégner du yiddish. Sur les films suivants, il fut en mesure de le parler » (citée in Charles Tatum, Jr (dir.), Edgar G. Ulmer, p. 130). Green Fields est co-réalisé par Jacob Ben-Ami, figure célèbre du théâtre yiddish (scène qu’Ulmer connaissait bien), qui s’est chargé de faire répéter les acteurs. Comme les deux films suivants du « cycle », il est adapté d’une pièce. Il s’agit d’un beau film, élégiaque, principalement en extérieurs (dans les plaines du New Jersey). Il raconte l’histoire d’un jeune étudiant talmudique qui part à la recherche des « vrais Juifs ». Tournée avec très peu de moyens, cette comédie est pleine de vitalité, notamment dans la mise en scène. Elle a remporté un grand succès critique et public.

singingblacksmith001

Le film suivant, Yankel der schmid/The Singing Blacksmith (1938), est bien décrit par Bill Krohn comme « un musical hollywoodien à très petit budget » (« Ulmer sans larmes », p. 102). Cette fois-ci, Ulmer a construit un shletl en trompe-l’œil, qui lui servira aussi pour Cossacks in Exile. « Visuellement plus proche des films noirs et thrillers expressionnistes qu’Ulmer fera à Hollywood dans les années 40 » (Hoberman), The Singing Blacksmith vaut pour ses séquences dansées et chantées par l’acteur Moishe Oysher, le « forgeron chantant » du titre, dont le cœur balance entre deux femmes. D’après Vincent Brook, le film reprend l’opposition, esquissée dans Green Fields, entre deux archétypes : le musklyid, c’est-à-dire le « Juif musclé[3] », et le yeshive bokker, l’étudiant talmudique, ici ridiculisé.

Light Ahead 3

Les deux titres suivants ont longtemps été ignorés des filmographies d’Ulmer. Fishke der krumer/The Light Ahead (1939) a même été perdu pendant plusieurs années ; la copie actuelle est plus courte de 25 minutes[4]. Ce film se détache nettement des trois autres par sa qualité et par sa noirceur (même s’il pèche parfois par sa mise en scène, trop souvent frontale et marquée par l’origine théâtrale de l’intrigue). Le titre anglais est trompeur : l’action se déroule en grande partie dans les ténèbres de Glubsk (« la ville des fous »), qui semble encore « vivre au Moyen-Âge », d’après l’un des personnages, et où règnent obscurantisme (religieux, en particulier) et maladie. Une très touchante histoire d’amour est contée : celle de Hodel, une jeune aveugle (Helen Beverly) et de Fishke, le boiteux (David Opatoshu). On songe cette fois-ci aux films de Frank Borzage, à ceux de Murnau dont Ulmer fut l’assistant (dans une belle formule, Andrew Sarris décrivait Ulmer comme « l’exécuteur testamentaire de Murnau »), à Caligari aussi pour certains décors. Ce film-ci eut peu de succès. Cependant, Hoberman (p. 306) mentionne qu’à Kansas City, d’après le Hollywood Reporter, « le film a obtenu d’excellentes critiques dans la presse locale, qui a incité les Gentils à aller le voir toutes affaires cessantes avec leurs voisins juifs. Il a donc attiré des spectateurs de toutes croyances et de toutes nationalités. »

Matchmaker

Enfin, Amerikaner schadchen/American Matchmaker (1940), s’il s’avère décevant au pur plan cinématographique, est néanmoins intéressant à plusieurs égards. C’est le seul film des quatre qui soit basé sur un scénario original (dû à Shirley, la femme d’Ulmer) et il se déroule à New York, où il a été tourné. Le personnage principal est Nat Silver, joué par Leo Fuchs, surnommé le « Fred Astaire yiddish ». Après avoir essuyé huit échecs successifs dans ses projets de mariage, il se résigne au célibat et s’établit comme super-schadchen (entremetteur), activité traditionnelle – cf. The Singing Blacksmith – qu’il américanise. Il annonce en effet exercer le métier d’« Advisor in Human Relations » (conseiller en relations humaines). C’est au niveau de la langue que le film passionne le plus : les personnages parlent un yiddish généreusement saupoudré d’anglais. Curieux renversement de ce qui se produira par la suite : de nombreux mots de yiddish passeront dans la langue courante aux États-Unis… Contrairement aux trois films précédents, qui se déroulaient dans un microcosme juif situé (plus ou moins précisément) en Europe de l’Est, American Matchmaker montre l’adaptation des Juifs au Nouveau Monde, alors que dans l’Ancien, des problèmes autrement plus graves se posent alors. « Quand on repense au Marieur américain », écrit Louis Skorecki, « la légèreté presque folklorique du yiddish apparaît comme la dernière résistance possible à la barbarie hitlérienne. Pour un cinéaste, en 1940, il n’y avait donc rien de plus urgent que de tourner en yiddish ? Rien. Absolument rien[5]. »

Réception française, hier et aujourd’hui

Certains films yiddish ont été diffusés en France à l’époque de leur sortie. Le plus connu d’entre eux est sans doute Le Dibbouk, qui fut même plusieurs fois réédité par la suite et diffusé à la télévision[6]. Mais on trouve des chroniques d’autres de ces films dans la presse, avec parfois des références aux sous-titres. Ainsi, dans sa critique du Roi Lear d’Israël (Der yidisher kenig Lir, Joseph Seiden, 1936), décrit comme un « film américain, parlant yiddish, sous-titres français », Claude Vermorel indique que « tout s’y passe en dialogues compacts que traduisent de loin en loin des sous-titres de Benno Vigny[7] ».

Quant aux films d’Edgar Ulmer, ils ont notamment été montrés en 2002, au Musée d’Art et d’Histoire du Judaïsme (Paris), lors d’une mini-rétrospective consacrée au cinéaste en partenariat avec le festival d’Amiens. Ils ont alors été projetés tels quels, c’est-à-dire avec les seuls sous-titres anglais présents sur la copie (et dont l’auteur, à l’époque, était crédité au générique[8]). Cependant, deux de ces films ont été précédemment commentés dans la presse spécialisée : Green Fields et The Singing Blacksmith.

Green Fields 2

Même si la première filmographie, courageusement établie par Luc Moullet en 1956, ne classait pas Green Fields parmi les films sortis en France, ce titre a connu une sortie le 28 septembre 1938 dans une salle parisienne, le Ciné Bellevue[9]. La cinématographie française précise : « Grine Felder passe en exclusivité dans un cinéma parisien qui s’adresse avant tout aux spectateurs juifs de Paris. Il est parlant yiddish, ce qui le classe à part dans la production exotique du moment. (…) Film curieux et sensible, mais qui restera hermétique pour bien des spectateurs. » Cinémonde, qui trouve le film « moyen[10] », nous informe qu’il est sorti avec des sous-titres français. Bien que le lieu et l’époque de l’intrigue ne soient pas précisés, le critique croit y voir « la Russie d’avant-guerre »[11].

Le cas de The Singing Blacksmith est caractéristique de la « politique des auteurs », voire de ses excès. Ulmer avait les faveurs des Cahiers du cinéma depuis le n° 58, comprenant la filmographie évoquée plus haut, une présentation du réalisateur par le même Luc Moullet[12] et un beau texte de Jean Domarchi sur Le Bandit (The Naked Dawn). En mars 1960, dans la section « Petit journal du cinéma » de la revue, Jean Douchet écrit : « Un film d’Edgar G. Ulmer est un événement trop rare pour le rater. Il faut encore dénicher où ce film passe. Mais le hasard aide quelquefois le cinéphile impénitent. Première condition : connaître à fond la filmographie de ses auteurs préférés. Ensuite passer près d’une affiche qui annonce The Singing Blacksmith, film parlant yiddish, programmé pour un gala d’Israélites de cette langue. Et c’est ainsi que (…) la moitié de l’équipe des Cahiers s’est retrouvée dans une salle du quartier de Belleville[13]. » La copie projetée est en yiddish, mais sans sous-titres. « Évidemment, nous ne comprenions rien aux dialogues », raconte Douchet, « mais l’histoire se laisse par elle-même facilement saisir » – point sur lequel on pourrait, pour une fois, lui accorder partiellement raison, mais qui serait plus discutable concernant The Light Ahead, par exemple. Enfin, il conclut en parlant d’un film « fait de beauté, d’une élégance dans le naturel et d’une immense tendresse ».

Les copies actuellement en circulation des quatre films yiddish d’Ulmer ont été restaurées par le National Center for Jewish Film à des époques différentes (1981 pour Green Fields, 1998 pour American Matchmaker…). Ces copies ont été tirées avec les sous-titres anglais d’origine (assez lacunaires, comme très souvent à cette époque-là), auxquels d’autres sous-titres ont été adjoints. Malheureusement, de très nombreux passages restent encore non traduits (par exemple, les sous-titres additionnels d’American Matchmaker ne traduisent que les chansons). En 2002, lors des projections à la Maison d’Art et d’Histoire du Judaïsme, des spectateurs comprenant le yiddish étaient présents dans la salle. L’on pouvait alors parfois se reconnaître dans la situation décrite par Jean Douchet, 42 ans auparavant : « La salle s’amusait follement et semblait ravie de retrouver des héros qu’elle devait connaître de longue date. Elle avait sur nous l’avantage de comprendre ce dialecte non sous-titrés. » Dix ans plus tard, les répliques non sous-titrées en anglais ne sont pas plus compréhensibles pour les spectateurs de la Cinémathèque Française qui ne parlent pas le yiddish. Des sous-titres français sont bien projetés électroniquement sous l’écran (en direct), mais ils ont de toute évidence été établis à partir des sous-titres anglais, à part quelques répliques isolées, suffisamment proches de l’allemand pour être comprises par un germanophone, et qui peuvent passer inaperçus à cause de la synchronisation hasardeuse des sous-titres. Le même défaut est encore plus flagrant pour Cossacks in Exile, opérette en ukrainien dont les chansons ne sont pas davantage traduites dans les sous-titres anglais que dans les sous-titres français[14]. Rappelons, dans la lignée de la brochure Faire adapter une œuvre audiovisuelle de l’ATAA, que faire appel aux langues relais (ici, l’anglais) constitue une « fausse bonne idée », plutôt que d’engager des traducteurs connaissant la langue de départ d’un film.

Light Ahead 1

Edgar Ulmer, cinéaste de la « primauté du visuel », selon la jolie formule de Myron Meisel ? Indéniablement, au vu de bon nombre de ses films, mais pas seulement. Longtemps négligés, ses quatre films en yiddish, loin d’être une simple parenthèse dans son œuvre, ont le mérite de faire entendre une langue qui brillait alors quasiment de ses derniers feux à l’écran.

Anne-Lise Weidmann, Samuel Bréan

Pour en savoir plus :

Sur la langue yiddish

- Le documentaire Nemt (« prenez ») réalisé par Isabelle Rozenbaumas et Michel Grosman en 2002, qui peut être visionné en version anglaise et en version française sur cette page.

- Un long entretien filmé avec Rachel Ertel, sur le site Akadem.

- Sans oublier le documentaire Traduire de Nurith Aviv, que nous avions déjà évoqué il y a un an, et dans lequel dans lequel Yitskhok Niborski, vice-président de la Maison de la culture yiddish, est interviewé sur la question de la traduction de l’hébreu en yiddish.

Voir des films en yiddish

- Chez soi : on peut commander des DVD auprès du National Center for Jewish Film.

- À Paris : on peut consulter des vidéos (VHS et DVD) à la médiathèque du Musée d’Art et d’Histoire du Judaïsme (MAHJ) et à la Maison de la culture yiddish – Bibliothèque Medem (voir leur catalogue commun).

Textes sur le cinéma yiddish et sur Edgar G. Ulmer

- Eisenschitz, Bernard, « Poésie et vérité : le Petit Théâtre du monde d’Edgar G. Ulmer », in Marc Cerisuelo (dir.), Vienne et Berlin à Hollywood, Paris, Presses Universitaires de France, 2006, p. 147-162.

- Goldberg, Judith N., Laughter through Tears, Toronto, Associated University Press, 1983.

- Herzogenrath, Bernd (ed.), The Films of Edgar G. Ulmer, Lanham (MD), The Scarecrow Press, 2009 [à propos des films yiddish : John Belton, « The Search for Community » ; Vincent Brook, « Forging the ‘New Jew’ » ; Miriam Strube, « When You Get to the Fork, Take It »].

- Hoberman, J., Bridge of Light : Yiddish Film between Two Worlds, New York, Museum of Modern Art, 1991.

- Hoberman, J., « Un pont de lumière : le cinéma yiddish entre deux mondes », in Cinémémoire, 3e festival international films retrouvés – films restaurés, Paris, Cinémémoire, 1993, p. 220-223 [traduction française, par Sylvie Pliskin, de l’introduction de Bridge of Light].

- Krohn, Bill, « Ulmer sans larmes », in Charles Tatum, Jr (dir.), Edgar G. Ulmer, p. 95-109.

- Lourcelles, Jacques, Dictionnaire du cinéma, tome 3, Paris, Robert Laffont, 1992 [sept films chroniqués].

- Martin, Adrian, « Ulmer in the Aquarium », in Bernd Herzogenrath (ed.), Edgar G. Ulmer: Essays on the King of the B’s, Jefferson (N.C.), McFarland, 2009, p. 262-278.

- Meisel, Myron, « Edgar G. Ulmer: The Primacy of the Visual » [1972], in Todd McCarthy, Charles Flynn (eds.), Kings of the Bs, New York, E. P. Dutton, 1975, p. 147-152.

- Tatum, Jr, Charles (dir.), Edgar G. Ulmer : le bandit démasqué, Crisnée, Yellow Now, 2002.

Entretiens avec Ulmer

- Bogdanovich, Peter, « ‘Nous n’avions rien, hormis des ambitions.’ », in Charles Tatum, Jr (dir.), Edgar G. Ulmer, p. 219-266. Entretien effectué en 1970. 1ère parution : Film Culture, n° 58-59-60, 1974. Dernière version en anglais : Peter Bogdanovich, Who the Devil Made It: Conversations with Legendary Film Directors, New York, Knopf, 1997.

- Moullet, Luc, et Bertrand Tavernier, « Entretien avec Edgar G. Ulmer », Cahiers du cinéma, n° 122, août 1961, p. 1-16.

à la Cinémathèque Française
Notes    (cliquer sur ↵ pour revenir au texte)
  1. Passage mentionné par Maxime Cervulle dans « ‘Glorious Basterd’ : Quentin Tarantino et la politique de l’identité », intervention au séminaire de recherche « Qu’est-ce que le cinéma ? », Institut National d’Histoire de l’Art, Paris, 26 octobre 2009. Pour une uchronie plus stimulante qu’Inglourious Basterds, et pour rester dans notre sujet, on conseillera le roman de Michael Chabon, The Yiddish Policemen’s Union (New York, HarperCollins, 2007 ; Le Club des policiers yiddish, tr. fr. Isabelle D. Philippe, Paris, Robert Laffont, 2009). Il se déroule dans une réalité alternative, prenant comme point de départ qu’en 1941, les Juifs d’Europe se sont établis temporairement en Alaska, à l’invitation des États-Unis. Lire aussi Amelia Glaser, « From Polylingual to Postvernacular: Imagining Yiddish in the Twenty-First Century », Jewish Social Studies, vol. 14, n° 3, 2008, p. 150-164.
  2. Hoberman raconte les problèmes qu’il connut à sa sortie à Tel Aviv, puisque « les exploitants avaient apparemment oublié que pour de nombreux sionistes, tout particulièrement dans le Yichouv, le yiddish était considéré comme anathème, un vestige méprisable de la dispersion et de l’exil. (…) Lors de la première de Mayn yidishe mame au cinéma Mograbi de Tel Aviv, le 27 septembre 1930 (…), des manifestants lancèrent de l’encre contre l’écran et firent tellement de chahut que les troupes britanniques durent intervenir pour rétablir l’ordre. (…) Les autorités municipales ordonnèrent l’interdiction du film jusqu’à ce que les séquences parlées aient été ôtées. Il faudra attendre vingt ans pour qu’un autre film yiddish soit montré à Tel Aviv en langue originale » (Bridge of Light, p. 158).
  3. On songe au personnage historique de Zishe Breitbart (1883-1925), lui-même forgeron, dont le film Invincible (Werner Herzog, 2001) raconte la vie de façon romancée.
  4. Pour le détail des scènes manquantes, cf. Bridge of Light, p. 312. Hoberman s’est appuyé sur une traduction des dialogues consultée au New York State Board of Censors. À noter qu’un passage du film figure en ouverture du documentaire Une histoire du cinéma israélien (Raphaël Nadjari, 2009). Cette utilisation est douteuse à plusieurs titres : l’extrait est au mauvais format d’image, et le film est attribué à Edgar G. Ulmer et Henry Felt, lequel se trouve être en fait le « technical director » de la copie restaurée de The Light Ahead (une erreur qu’on trouve sur le site Internet Movie Database, et qui explique peut-être cela). Enfin, outre que le film n’est pas israélien, le passage choisi, sorti du contexte, est annexé au propos du début du documentaire, qui évoque le projet sioniste des premiers films de la chronologie.
  5. Louis Skorecki, « Detour », Libération, 28 juin 2001. Lire aussi la séduisante analyse d’American Matchmaker par Bill Krohn, « Ulmer sans larmes », p. 107-109.
  6. Lire par exemple Louis Skorecki, « Pologne 1938 », Cahiers du cinéma, n° 320, février 1981, p. 50-51 et Édouard Waintrop, « Le Dibbouk qui rend chèvre », Libération, 24 février 1984.
  7. Claude Vermorel, « Le Roi Lear d’Israël », Pour Vous, n° 396, 18 juin 1936, p. 5. Romancier et scénariste, Benno Vigny se vit adapté à l’écran dans Morocco (Josef von Sternberg, 1930). Son dernier scénario fut celui de L’Homme perdu (Der Verlorene, 1951), très beau (et unique) film réalisé par Peter Lorre, qui le co-écrivit également.
  8. Green Fields : Leon Dennen ; The Singing Blacksmith : Charles Cooper ; The Light Ahead : Julien Leigh ; American Matchmaker : S. Rubinstein.
  9. Située au 118, rue de Belleville, cette salle, ouverte en 1905, s’était précédemment appelée le Cinématographe Parisien, puis le Gavroche. Elle s’appellera ensuite le Bellevue, son dernier nom avant sa fermeture définitive en 1989. Juste avant, un film y sera tourné : Les Sièges de l’Alcazar, réalisé par… Luc Moullet.
  10. Il existait quatre catégories : « excellents », « bons », « moyens », « les autres ». Sous le tableau où étaient consignées ces appréciations, il était précisé : « Le signe ● indique que la cote du film concerne sa version ‘originale’, la version ‘doublée’ pouvant entraîner des modifications à ce jugement. »
  11. « Grine Felder », La cinématographie française, n° 1049, 9 décembre 1938, p. 16 ; Benjamin Fainsilber, « Grine Felder », Cinémonde, n° 521, 13 octobre 1938, p. 875.
  12. Qui écrira plus tard : « J’avais dix-huit ans et ne connaissais que trois de ses films (dont deux en version française). Ce texte n’était pas très bon. Aussi ai-je été ravi d’en écrire un meilleur, quarante-sept ans après » (Luc Moullet, Piges choisies, Nantes, Capricci, 2009, p. 210). Le texte en question est « Mailles du destin et bouts de ficelle », in Charles Tatum, Jr (dir.), Le bandit démasqué, p. 39-46, repris in Piges choisies, p. 210-217. Entretemps, Moullet aura écrit deux notules sur Ulmer : l’une dans le numéro 150-151 des Cahiers du cinéma (décembre 1963-janvier 1964) et l’autre dans un Dictionnaire du cinéma (Paris, Éditions Universitaires, 1966) – il dit alors avoir vu douze films du réalisateur.
  13. Jean Douchet, « Le forgeron chantant », Cahiers du cinéma, n° 105, mars 1960, p. 44. Cela dit, même si ce trajet semble avoir beaucoup coûté à Douchet (il parle d’un déplacement « immense » : « déranger un critique de cinéma hors d’un périmètre étroit et bien défini est en lui-même un exploit épique et méritoire »), il faut rappeler que certains cinéphiles n’hésitaient pas à aller en Belgique, à Londres ou ailleurs pour voir des films non sortis en France. Cf. les comptes rendus de telles expéditions, parus dans les Cahiers du cinéma ou dans des revues plus modestes comme Midi-Minuit Fantastique ou Présence du cinéma. À propos des liens entre cinéphilie classique et (absence de) sous-titrage, lire aussi Samuel Bréan, « godard     english     cannes: The Reception of Film Socialisme’s ‘Navajo English’ Subtitles », Senses of Cinema, n° 60, 2011, notamment la note 8.
  14. La qualité des sous-titres de la Cinémathèque Française (systématiquement non signés) est hélas un problème récurrent. Dans le cas de la rétrospective Ulmer, Le Chat noir et Le Bandit, ressortis en 2005 par le Théâtre du Temple, sont montrés dans des copies sous-titrées, ainsi que Detour (sorti en France en 1990). Dans le cas de copies non sous-titrées en français (ou dotées de sous-titres français incomplets, comme pour la copie belge d’époque de Girls in Chains), les films sont accompagnés de sous-titres électroniques qui ne sont généralement pas d’un niveau professionnel : style maladroit ou inapproprié (« ça ne le fait pas », dans un film de 1946), fautes d’accord, de ponctuation, mauvais découpage d’une ligne ou d’un sous-titre à l’autre, inscriptions à l’écran non traduites, répliques manquantes… Une traduction sans script n’excuse pas de désigner pendant tout un film le comte de Monte Cristo comme Edmond « Dante » (The Wife of Monte Cristo). À déplorer également, des traductions littérales comme « Où est tout le monde ? », « Le vrai McCoy », « Comment allez-vous ? » (pour « How do you do ? ») ou « Ça avait l’habitude de marcher » (« this used to work »). Difficile enfin de croire à une relecture sérieuse quand on tombe sur un sous-titre tel que « Ils étaient three ».
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